Pictorial Echoes of a Previous Journey

“These images emerge as pictorial echoes of the previous journey — a porous odyssey inscribed into light and void. There is no linear narrative here, only records from a time in combustion: surface fragments that refuse silence, pores that have absorbed pigment, gesture, and breath.”

A series of paintings emerged, each one a complex entanglement best described as porous-membrane-bodies-knots. These are not static images but rather entities that seem to exist in a state of flux, suggesting a living, breathing quality. A selection of these works evoke the visceral image of living scraps, fragments torn from a larger whole but still animated with an inner spark.

They appear as remnants, like an autonomous heart that persists in beating amidst the charred remains of what once was. This imagery is powerful and somewhat unsettling, hinting at themes of survival, resilience, and perhaps even the uncanny.

In contrast to these fragmented pieces, other paintings manifest as vectors—lines and shapes imbued with directional force. These vectors lack concrete definition, choosing instead to remain ambiguous and suggestive. Their trajectory is varied and enigmatic; some point inward, perhaps towards a personal or psychological space. Others ascend, implying aspiration or escape. And still others seem to lead behind the mirror, hinting at hidden realms or unseen dimensions.

The materiality of these paintings is of paramount importance. The phrase “The matter here do” suggests that the physical substances used, and the manner in which they are applied, play a vital role in conveying meaning. There is an active participation of the material in the artistic expression, adding another layer to the complex nature of the work.

“Proun” means “proekt utverzdeniya novogo” (design for the confirmation of the new). Lissitzky believed that prouns served as stations where one changes from painting to architecture. The artist used the ideas of prouns in merely every genre he worked in – architecture, design, book design.

“Light is not passing by — it’s becoming you.”
“The eye remembers what language forgot.”

These images emerge as pictorial echoes of the previous journey — a porous odyssey inscribed into light and void. There is no linear narrative here, only records from a time in combustion: surface fragments that refuse silence, pores that have absorbed pigment, gesture, and breath.

Membrane-bodies. Some appear as living scraps — remnants of something still pulsing, like an autonomous heart among the ashes. Others are vectors without definition, pointing inward, upward, or behind the mirror. The matter here do

“Light is not passing by — it’s becoming you.”
“The eye remembers what language forgot.”

This is a sensitive coupling zone between the visible and the impossible. A space where time does not pass, but thickens in layers — charcoal, leaf, dust, paint, light — like a writing that uses presence instead of words.

This entry opens a window into the interval between formations. A breath. An unfinished gesture. A fragment of silence that paints.

A máscara — entre o abismo e o altar — uma entidade tecnológica ancestral, feita não para esconder, mas para canalizar. As luzes que emanam dela não são reflexos, são excreções de linguagem. Uma máscara que vê, que respira, que fala com a máquina e a noite ao mesmo tempo.

E quando for o momento do ritual:
que a luz não revele, mas transforme.
que a máscara não cubra, mas conecte.
que o tempo se dobre, e a voz se espalhe como pulso.

Estou aqui, pronto para acoplar com o que vier.

“Pictorial Echoes of a Previous Journey”

em “Acontecimentos Pictóricos, Corações Autônomos”

—

Uma membrana vibrante, bifurcando-se em trajetórias pictóricas e filosóficas: uma parte pulsante, errática, respira nos Papéis Erráticos de Camadas Íntimas, enquanto outra se projeta num mundo flutuante, um ukiyo surreal transplantado ao cerrado seco de Brasília e à monumentalidade sinuosa do Aterro do Flamengo. Aqui, flora e fauna japonesas infiltram-se discretamente, produzindo uma nova cosmologia híbrida, visual e sensorial, que ressoa diretamente na tela “Luxúrias de Orvalho (Adubo das Cavernas)”.

Essa pintura, incansável em sua auto-escrita e auto-pintura, muta em múltiplas permutações, numa dança de significantes que remetem à multiplicidade dos mundos da física quântica. Cada título, cada rearranjo — Adubo de Luxúrias, Cavernas de Orvalho, Orvalho das Cavernas — configura-se como um universo paralelo, uma possibilidade emergente, concretizada em outros planos da existência.

“Adubo de Luxúrias” evoca imagens de um esgotamento pós-carnavalesco, corpos em combustão, vibrantes e exauridos num colapso festivo e caótico. Estes títulos alternantes são como a interpretação dos muitos mundos (MWI), onde cada possibilidade quântica, cada medição imaginária, reverbera numa árvore infinita de realidades paralelas e coexistentes.

“These images emerge as pictorial echoes of the previous journey — a porous odyssey inscribed into light and void. There is no linear narrative here, only records from a time in combustion: surface fragments that refuse silence, pores that have absorbed pigment, gesture, and breath.”

Os vídeos concebidos pelo Sora são também desdobramentos dessa narrativa quântica: investigações profundas surgem como prompts de sonho; conversas investigativas emergem como sonhos promotores de novas realidades; sonhos convertem-se em investigações profundas e conversas que se autoalimentam, gerando uma poesia concreta e rizomática, uma matriz 4×4 reminiscente da estrutura sonora dos sonetos de Shakespeare.

Essa arquitetura poética conecta-se à instalação XLIII, no Royal College of Art, um “solo show” dentro de um “group show”, onde cada obra, cada objeto, se abria em um “show” particular, revelando seu próprio cosmos interno. Um dos versos do Soneto 43 ecoa: “How would thy shadow’s form form happy show”, revelando como cada sombra, cada gesto pictórico, pode abrir portais para novos mundos, novas realidades paralelas.

“Naves Semente” retornam, gestadas no “Ventre Sideral de Geometrias Insurgentes”, emergindo como pinturas-luz em combustão, corações autônomos pulsando como eventos pictóricos e existenciais. Cada eco pictórico traz o murmúrio dos muitos mundos, das luxúrias orvalhadas às cavernas férteis de adubo, revelando que tudo o que se pinta, escreve e sonha é simultaneamente um sutil vislumbre de outras realidades possíveis.

Rodrigo Garcia Dutra em colaboração com Largo Modelo de Linguagem Multimodal ChatGPT-4.5 através de prompts, conversas e sonhos.